Primavera en Venecia en el seno de La Bienal del Arte

Venecia se convierte en capital mundial de las tendencias artísticas actuales. Aquí una guía entre las cientos de muestras disponibles, presentado por HostelsClub.

En simultáneo con la Bienal del Arte, Venecia se convierte en la capital mundial de la tendencias artísticas de nuestro tiempo. Cientos de muestras históricas y contemporáneas animarán la ciudad, los campos, los puentes y las iglesias. Un momento imperdible para visitar la Laguna que florece después del paso del invierno. Les proponemos una guía por las muestras más imperdibles, desde fines de marzo hasta las primeras semanas de mayo, indicandoles además las mejores soluciones smart budget para alojarse.

“El arte es el domingo de la vida” - Charles Baudelaire

La primavera veneciana inaugura en el seno del arte contemporáneo. Del veinte de marzo hasta los primeros diez días de mayo con la apertura de la Bienal de Arte, madre de todas las exposiciones de arte mundiales, Venecia este año es el destino ideal para quien quiera sumergirse en las últimas modas artísticas. Los palacios abiertos a la fiesta del Canal Grande, las terrazas con flores, las calles iluminadas, enjambres de barcos por los canales y las inauguraciones en cada rincón de la ciudad son visitas obligatorias.

Las sedes oficiales del Arsenale y de los Giardini, donde los pabellones internacionales nos muestran el sentido del tiempo, el presente se declina en las formas del espíritu; el mal, el bien, las guerras, los deseos, la pobreza y el exceso. El arte nos ayuda a comprender los destinos del tiempo en que vivimos, verlos a contraluz junto con las expresiones de la vida, de la lucha, del amor, del odio, del pueblo e incluso de los destinos de los hombres solitarios o felices en el seno de las manifestaciones del capital económico y financiero.

Hay un momento en que Venecia se toma la molestia de operar esta cuestión global. Más que Nueva York, Hong Kong o Londres. Cuando sucede, como este año, y cada dos años por tradición, se encuentra con una Babel indiscutible. Un crisol de lenguas, culturas, caras provenientes de todos lados.

En los primeros días de mayo Venecia hospeda el espíritu de Londres, París, Nueva York, Shangai, Dubai y Sydney, pero también a los países del tercer mundo más pobres y remotos para que tengan la chance de expresarse con una muestra. Un mantra, una invocación a esta primavera veneciana. “May You Live in Interesting Times”, un viejo proverbio chino, que probablemente es falso, pero que también es el título de esta Bienal llena de muestras menores, colaterales y paralelas que rotan alrededor como un gran concierto que nos indica que lo que es sobretodo contemporáneo está vivo.

En la siguiente guía encontrarán las principales exposiciones, mejor dicho las imperdibles, de una selección curada por HostelsClub.

1 - Letizia Battaglia en la Casa de los Tres Ojos

Del 20 marzo al 18 de agosto del 2019, la Casa dei Tre Oci inaugura una gran muestra de antología dedicada a Letizia Battaglia (Palermo,1935), curado por Francesca Alfano Miglietti, promovida por la Fondazione Venezia y con la participación de Tendercapital. También se exponen unas 300 fotografías, tanto aquellas más inéditas con vistas sicilianas como aquellas de los delitos de las mafias inmortalizadas por Battaglia, primero como simple cronista y después como maestra indiscutida de un realismo crudo. Letizia Battaglia es una de las protagonistas más significativas de la fotografía italiana y la muestra recorre su carrera entera prácticamente. Una muestra leída como el retrato de un intelectual que va contra la corriente. “La fotografía la viví como un documento, como una interpretación”, ha dicho de sí misma la fotógrafa siciliana. “La viví como salvedad y como verdad”.

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Letizia Battaglia nace en Palermo el 5 de marzo del 1953. En el ‘85 fue la primera europea en vencer el W. Eugene Smith Award (célebre fotógrafo de la revista Life). “Trabajé para L’Ora di Palermo del 1974 al 1991”, afirma. En cada delito era obligada a correr a un sitio y tomar una foto, pero no habría querido. “Sentía ganas de vomitar, seguía sintiendo el olor a sangre por todos lados, incluso en mi casa. Me dolía mucho. No era una fotógrafa que documentaba un conflicto extranjero. Estaba en mi isla, en medio de una guerra civil”, contaba. En cuarenta años de trabajo con la Leica M2, rigurosamente en blanco y negro, documentó aquel mundo que daba y que da miedo. Poder criminal, prepotencia, corrupción y sangre. Sobretodo pero no solamente, en su Sicilia.

2 - Lugares y señales en Punta della Dogana

Punta della Dogana presenta la exposición “Lugares y señales”, curada por Martin Bethenod, director del Palazzo Grassi y Mouna Mekouar. El título de la muestra toma el nombre de la ópera de Carol Rama y reúne unos treinta artistas que tienen una relación particular con el contexto urbano social, político, histórico e intelectual. Algunos de ellos son; Berenice Abbott, Trisha Donnelly, R. H. Quaytman, Wu Tsang, Louise Lawler, Agnes Martin, Julie Mehretu, Anri Sala y Šejla Kamerić y Tatiana Trouv. Todos fueron presentados por primera vez en el ámbito de las muestras de la Pinault Collection. La expo será acompañada por un amplio programa de eventos, actos y encuentros abiertos al público que tendrán lugar en Punta della Dogana y en el Teatrino di Palazzo Grassi.

Nacida en Torino en el 1918, Carol Rama pinta de adolescente sin ninguna formación académica pero sostenido en su pasión de encuentros fundamentales. Del poeta Edoardo Sanguineti al músico de Torino Massimo Mila, del pintor Albino Galvano al arquitecto Carlo Mollino, al coleccionista Carlo Monzino, de Luciano Berio a Eugenio Montale, solo para citar algunos. Rama usa las cámaras de aire de la bicicleta y las transforma en cuadros/instalaciones precozmente pobres logrando que el color rosado de las gomas se vuelva color piel. Para Carlo el cuerpo es todo. Un cuerpo casi siempre amputado, o incluso artificial, como en las protestas de arte, con piernas y brazos pintados después de haber sido vistos al desnudo en los hospitales de la Segunda Guerra Mundial.

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3 - La piel de Luc Tuymans en el Palazzo Grassi

Palazzo Grassi presenta la primera muestra personal en Italia de Luc Tuymans (Mortsel, Bélgica, 1958) en el ámbito del programa de monografías que desde el 2012 a hoy se alternan con exposiciones temáticas de la Pinault Collection. La muestra se titula La Pelle, del título del libro de Curzio Malaparte publicado en 1949, y fue curada por Caroline Bourgeois en colaboración con Luc Tuymans y presenta otros 80 trabajos, siguiendo un recorrido centrado en la producción pictórica, con una selección de pinturas que van del 1986 hasta hoy y que provienen de la Pinault Collection y de los museos internacionales y colecciones privadas. Luc es considerado uno de los artistas más influyentes del panorama internacional, se dedica a la pintura de fines de la mitad de los años ‘80 y a lo largo de toda su carrera contribuye al renacimiento del medium pictórico contemporáneo. Sus obras tratan de cuestiones del pasado y de la historia reciente pero también de sujetos cotidianos a través de un repertorio de imágenes provenientes de la esfera personal y pública que representan luces no familiares y extrañas que se restituyen con inquietudes. Como bien explica el artista: “una falsificación auténtica” de la realidad.

Luc Tuymans nació en 1958 en Mortsel, Bélgica. Vive y trabaja en Anversa. Reconocido por haber contribuido al renacimiento de la pintura de los años 90, el artista belga continúa afirmando la pertinencia de su trabajo afrontando un ampli gama de argumentos. Su trabajo ha sido objeto de diversas muestras personales dedicadas al artista, algunas son: “The Swamp” en Reset Gert Robijns, Borgloon, 2017, “Glasses” en el Museum aan de Stroom (MAS), Anversa, en el 2016 y sucesivamente presentada en el National Portrait Gallery of London, en el 2017, “Intolerance” en el Qatar Museums Gallery Al Riwaq, Doha, “Birds of a Feather” en Talbot Rice Gallery University of Edinburgh, Edimburgh en el 2015 y “Nice. Luc Tuymans” en la Menil Collection, Houston, en el 2013.

4 - La naturaleza de Aro en Peggy Guggenheim

Del 13 de Abril al 2 de Septiembre, en la Colección Peggy Guggenheim se ve la muestra La Natura di Arp curada por Catherine Craft y organizada por Nasher Sculpture Center Dallas, primer sede expositiva de la muestra. Otra importante es la del artista franco-tedesco Jean Arp (1886-1966), que tiene un approach experimental en la creación y el pensamiento radical de las formas del arte tradicional que lo han convertido en uno de los artistas más influyentes del Novecento.

Este, con 16 años de actividad, realiza un corpus que tiene una notable influencia en la historia del arte y en una gama de materiales y formatos que recuerdan la versatilidad productiva. Arp se encuentra entre los fundadores del movimiento Dadá, por lo tanto pionero del abstractismo, y desarrolla un lenguaje orgánico y curvilíneo que se mueve con fluidez entre lo abstracto y lo representativo, así convirtiéndose en una referencia para muchas generaciones. Son siete las obras de Arp que pertenecen al museo veneciano, todas disponibles en la muestra.

“La primer cosa que compré para mi colección fue un bronce de Jean Arp. Este me llevó a la fonderia donde se había fusionado y me enamoré tanto que pedí tenerlo en mis manos; en ese mismo instante en que lo sentí, quise ser la dueña”, recuerda Peggy Guggenheim en su autobiografía “Una vida por el arte” (Editorial Rizzoli, Milano, 1998)

Hans Arp, Jean (Estrasburgo, 1887), estudia en la Academia de Bellas Artes de Weimar y después en la Academia Julian en París. En el 1914 se refugia en Francia, el año siguiente lo encontramos en Suiza donde encuentra la pintora Sophie Taeuber con quien se casará. En el 1928 practica la escritura automática con el surrealismo. Arp participa en “Cercle et Carré” (1929), en “Abstraction-création (1932), en Allianz (1937). Hacia el 1930, introduce una variante en sus collages con los “papeles desgarrados”. Con la declaración de la guerra, Arp afrancesa su nombre a Jean. Del 1942 al 1945 Arp se refugia en Suiza donde Sophie Tauber-Arp muere trágicamente.

5 - El taller Burri en la Isla de San Giorgio

La Fundación Giorgio Cini presenta al público una retrospectiva antológica dedicada al “Maestro de la materia” Alberto Burri (Ciudad de Castello 1915 - Nizza 1995), curada por el conocido director de la fundación Bruno Corà. El proyecto, nacido de la sinergía entre las instituciones y realizado en colaboración con Tornabuoni Art y Paola Sapone MCIA, se propone hacer un recorrido de reconocimiento internacional relacionado al centenario del nacimiento del artista de Umbría. La muestra ofrece una reconstrucción cronológica de las etapas más importantes más importantes de la carrera artística de Alberto Burri a través de unas 50 obras elegidas entre las más significativas: las rarísimas Catrami, las Muffe y los monumentales Sacchi, hasta llegar a las Combustioni, Legni y Plastiche. La lectura de su carrera artística seguirá, en una sección documental multimedial, por medio de proyecciones de algunos extraños films que lo retratan en acción.

Alberto Burri nace en 1915 en la ciudad de Castello. Durante la segunda guerra mundial se anota como oficial médico, pero en 1944, capturado en el norte de África con su compañía, fue aprisionado en Hereford, Texas donde inicia a pintar en las telas de bolsas que estaban a su alcance. Concluída la su parada en prisión, se muda a Roma donde, al año siguiente, tiene la primera muestra personal en la Galería La Margherita. Burri critica el difuso realismo politizado al fines de los años ‘40 y se mueve hacia la abstracción transformándose en un protagonista de lo informal. Entre los años 1949-1950 experimenta nuevos materiales poco ortodoxos dando vida a los collage táctiles hechos de bolsas, alquitrán y piedra pómez. Realiza en este período la serie de las Muffe y de los Gobbi, esta última con telas modeladas que rompen la bidimensionalidad tradicional del soporte. Su interés por la ambigüedad de la superficie pictórica y por los inusuales materiales lleva a Burri a contribuir al Grupo Origine que expone en 1951 en la Galería del Obelisco, Roma.

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6 - Los Invertidos de Baselitz en Gallerie dell'Accademia

Con la Bienal de Arte de Venecia, la galería inaugurará una muestra que atraviesa todos los períodos y los nudos cruciales de los 60 años de carrera del artista alemán mostrando pinturas, dibujos y esculturas. Es la primera vez que la Accademia abre sus puertas a un artista contemporáneo en vida. “Estoy feliz de haber sido invitado a presentar mi trabajo en la Galería de la Academia en Venecia el próximo año”, explica Basletiz. “Conozco el museo desde hace tiempo y es un placer trabajar con Kosme de Barañano en un proyecto fuertemente original”. La muestra pensada a la medida por los espacios venecianos es curada por Kosme de Barañano y será antológica con la ambición de portar un diálogo de las cosas más importantes de este artista alemán.

Georg Baselitz es un artista alemán conocido por sus cuadros neo expresionistas. Su obra comprende entre esculturas e incisiones tratando de descubrir qué significa ser un artista de la posguerra. Colores audaces, fuertes pinceladas son las bases de los temas arquetípicos tratados normalmente. “Comienzo con una idea, pero mientras trabajo, la foto fluye”, dijo de su proceso. “Después está la lucha de la idea que pre concibo y la imagen que combate por su propia vida”. Nacido como Hans-Georg Kern el 23 de enero de 1938 en Deustchbaselitz, Alemania, Baselitz se rebautizó después en el año 1961.

7 - Philippe Parreno en el espacio de Louis Vuitton

Displacing Realities se titula la muestra de Philippe Parreno que se da en L’Espace Louis Vuitton Venezia del 11 de mayo al 24 de noviembre, por ahora son pocas las informaciones que circulan en este propósito. Philippe Parreno es un artista francés contemporáneo que practica múltiples disciplinas incluyendo colaboraciones con Pierre Huyghe, Liam Gillick y Rirkrit Tiravanija. Como parte de su práctica , Parreno examina cómo los sistemas de representación y las memorias producen significado. El guión incompleto del artista L’Histoire d’un sentiment (1996), es un gesto que reclama la atención de la narrativa de la producción a través de la imaginación de un proyecto creativo imaginario que no será más realizado.

Philippe Parreno nació en 1964 en Oran, Algeria pero creció en Grenoble, Francia frequentando l’École des Beaux-Arts de la ciudad antes de mudarse a París para estudiar en el Institut des Hautes Études en Arts Plastiques del Palais de Tokyo. Su primer ascenso fue en los ‘90 con trabajos que incluyen conferencias grabadas de programas televisivos y películas populares. En los años siguientes, el artista produjo obras visuales y textos analizando argumentos. Continúa viviendo y trabajando en París. Hoy las óperas de Parreno están conservadas en las colecciones de Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, del Tate Modern de Londres y del Centre Georges Pompidou de París, entre otros.

8 - Arshile Gorky en las salas de Ca'Pesaro

Ca’ Pesaro presenta la primer retrospectiva italiana dedicada a Arshile Gorky (1904-1948), considerado una de las figuras claves del arte americana del siglo XX. La exposición considera la carrera de Arshile Gorky desde sus primeros trabajos de los años, aquellos donde la pintura era caracterizada por su relación con las obras de Cézanne, pasando por los puntos más altos de su estudio autodidacta de los maestros y de los movimientos modernos, hasta llegar a la fase en la cual estos estímulos confluyen en una potente y singular visión. Arshile Gorky tiene el seudónimo de Vosdanik Adoian que nace en la villa de Khorkom, provincia de Van en Armenia, el 15 de Abril de 1904. A causa de la invasión turca, los Adoian forzaron sus condiciones de prófugos; el mismo Gorky deja Van en 1915 y se transfiere a los Estados Unidos en febrero de 1920, donde habita con sus parientes en Watertown, Massachussetts. Desde 1922 reside allí y enseña en la escuela New School of Design en Boston. Se pueden ver 80 obras provenientes de las colecciones internacionales ya sean institucionales o privadas; entre estas la Tate de Londres, la National Gallery of Art de Washington DC, el Whitney Museum of American Art di New York, el Centre Pompidou de París y el Israel Museum di Gerusalemme.

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La calidad inimitable de las últimas obras fue reconocida por el poeta surrealista André Breton que en el prefacio del catálogo de la muestra describe todo como un “híbrido” reconociendo la complejidad con la cual Gorky evocaba el mundo natural uniéndolo a una multitud de memorias personales e influencias diversas.

9 - Brigitte Niedermair sorprende en el Palazzo Mocenigo

La muestra de Brigitte Niedermair en el Museo de Palazzo, curada por Charlotte Cotton, del 9 de mayo al 24 de noviembre de 2019, es una interacción dinámica de las fotografías del artista extraído de su archivo de veinte años de fotografía. Una muestra que se pone en diálogo con la arquitectura y el arrendamiento de las salas del Palazzo Mocenigo. Colaborando con Charlotte Cotton, curadora de fotografía internacional, Niedermair respondió a las distintas atmósferas de cada sala e insertó sus clasificaciones de fotos de moda en estos ambientes históricos que ocupan las salas más íntimas hasta las más imponentes.

La sinergia entre el público y los interiores hacen de este palacio de la familia Mocenigo un lugar ideal para las fotografías de Niedermair que tienen un tenor que se mueve de una habitación a la siguiente. Niedermair seleccionó sus cuadros y los sustituyó con sus fotografías para amplificar conscientemente y contrastar con los subtítulos incorporados de géneros que permean los interiores de este edificio. El observador de la instalación se vuelve gradualmente consciente del hecho de que las únicas mujeres retratadas que miran fuera de sus límites de sus fotogramas se remontan a los siglos XVII y XVIII, mientras sus contrapartes contemporáneas resisten y se alejan.

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10 - "Ojalá puedas vivir en tiempos interesantes”

Abierta del 11 de mayo al 24 noviembre del 2019, en los Giardini e dell’Arsenale, la 58. Exposición Internacional de Arte del título May You Live In Interesting Times, curado por Ralph Rugoff, todo organizado por la Bienal de Venecia. Esta muestra está precedida por Paolo Baratta y la pre-apertura tendrá lugar en los días 8,9 y 10 de mayo, la ceremonia de premiación e inauguración se llevará a cabo el sábado 11 de mayo del 2019. La muestra se articulará entre el Padiglione Centrale ai Giardini y el Arsenale, incluyendo 79 artistas provenientes de todo el mundo. La muestra será apoyada por 90 Participaciones Nacionales. Son 4 los países que se presentan por primera vez en la Bienal; Algeria, Ghana, Madagascar y Pakistan. La República Dominicana y la de Kazajistán participan con un pabellón propio por primera vez.

De parte de Ralph Rugoff: “May You Live In Interesting Times” incluirá sin dudas obras de arte reflexivas en aspectos precarios de nuestra existencia actual, entre ellas hay amenazas a las tradiciones fundadoras, a las instituciones y a la relaciones del “orden posbélico”. Reconocemos que el arte no ejerce sus fuerzas en el ámbito de la política. Por ejemplo, el arte no puede frenar los avanzados movimientos nacionalistas gubernamentales, tampoco puede aliviar el trágico destino de los refugiados de todo el mundo (cifra que ahora alcanza el 1% de la población entera).

Sin embargo, el arte quizá puede ofrecer una guía que ayude a vivir y pensar mejor. La Bienal de Arte no tendrá un tema en sí pero pondrá en evidencia una aproximación general al hacer arte y una visión de la función social de la misma. La muestra se concentrará en el trabajo del artista que pone en discusión las categorías de pensamientos existentes y que se abren a una nueva lectura de objetos e imágenes, gestos y situaciones. Un arte simple nace de la propensión de observar la realidad de varios puntos de vista o del tener en cuenta nociones contradictorias e incompatibles, y de interpretar el mundo circundante.

Son 21 los eventos colaterales admitidos por el curador y promovidos por entidades e instituciones nacionales e internacionales sin fines de lucro. Por el décimo año consecutivo La Bienal dedica el proyecto Biennale Sessions a las universidades, a la academias y a las instituciones operantes en la búsqueda de la arquitectura y de los campos afines. El objetivo es el de facilitar a la visitas organizadas por grupos de al menos 50 estudiantes y docentes la posibilidad de organizar seminarios en lugares ofrecidos gratuitamente como asistencia para viajes y estadías.

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11 - El pabellón italiano de Milovan Farronato

Enrico David, Chiara Fumai e Liliana Moro son los artistas que representan Italia bajo la dirección y la cura de Milovan Farronato, director de Fiorucci Art Trust, que ha desarrollado desde el 2011 el festival Volcano Extravaganza en Stromboli. “Internacional, contemporaneidad, creatividad - declaró Bonisoli, el ministro de la actividad y de la cultura italiana - son las palabras que caracterizan el proyecto del Pabellón Italia en la Bienal de Venecia gracias a la contribución de estos tres protagonistas del arte, las obras darán vida a una muestra original e innovadora bajo la guía experta de un curador coetáneo”.

“Los objetivos de sostén, promoción y valoración del arte italiana de la Dirección General de Arte y Arquitectura Contemporánea de las Periferias Urbanas que dirijo - afirma el Comisario del Pabellón Italia Federica Galloni - son plenamente representados por tres artistas elegidos en la próxima participación italiana en Venecia, que sabrán transmitirse en profundidad de la visión y de la calidad de la búsqueda del público internacional”.

“Entre dos generaciones, las obras y las biografías de Enrico David, Chiara Fumai y Liliana Moro, si bien son diversas - explica el curador del Pabellón Italia Milovan Farronato - indican significados artísticos contemporáneos que se distinguen por espíritu de búsqueda entre pasado y presente. Sus trabajos se destacan por el inextinguible deseo de explorar territorios en los cuales la cotidianeidad, la supervivencia, la tradición y la narración tienen una fuerte presencia. Trabajé con contrato directo con estos artistas en el curso de los años, en ocasión de muestras personales y colectivas en Italia y en el extranjero, y estoy feliz de poder contar con sus prácticas en esta muestra de gran escala que incluirá trabajos nuevos pero también cosas del pasado”.