Printemps à Venise sous le signe de la Biennale de l'art et de l'esprit du monde

20/03/2019

En ce printemps, Venise devient la capitale mondiale des tendances artistiques de notre temps. Un guide raisonné parmi les centaines d’expositions signées par Hostelsclub.

Parallèlement à la Biennale des arts visuels, Venise devient la capitale mondiale des tendances artistiques de notre époque. Des centaines d'expositions historiques et contemporaines animeront la ville, les champs, les ponts et les églises. Un moment à ne pas manquer pour visiter le lagon qui fleurit après le vacarme de l'hiver. Nous proposons un guide des expositions à ne pas manquer, de la fin du mois de mars aux premières semaines du mois de mai, indiquant également les meilleures solutions d'hébergement low cost.


"L'art est le dimanche de la vie" - Charles Baudelaire

Le printemps vénitien inaugure le signe de l'art contemporain. Du 20 mars aux 10 premiers jours de mai, lors de l'ouverture de la Biennale d'Arte - l'exposition mère de toutes les expositions d'art du monde - Venise est cette année la destination idéale pour ceux qui veulent se plonger dans les dernières tendances art de notre temps. Les palais ouverts sur le Grand Canal, les terrasses fleuries et éclairées de jour, un essaim de bateaux à moteur dans la lagune et l’inauguration aux quatre coins de la ville, parmi les champs, les canaux et les ponts, sont des arrêts obligatoires pour ceux qui souhaitent sentir dans quelle direction va le monde.

Les bureaux officiels de l'Arsenale et des Giardini, où les pavillons internationaux nous montrent le sens de notre époque, en quoi le présent, notre réalité se décline sous les formes de l'esprit: le mal, le bien, les guerres, les désirs , pauvreté et excès. L’art nous aide à comprendre les destinées du temps que nous vivons, à voir les expressions de la vie, de la lutte, de l’amour, de la haine, de l’affirmation des peuples, mais aussi de nos destinées en tant qu’hommes ou femmes célibataires et heureux perdus, dans le signe et dans les manifestations du capital économique et financier.

Il y a un temps où Venise assume la peine de faire fonctionner cette synthèse globale. Plus que New York, Hong Kong ou Londres. Quand cela se produit - comme cette année et tous les deux ans par tradition - vous êtes confronté à un Babel incontesté et redécouvert. Un creuset de langues, de cultures et de visages du monde entier. Dans les premiers jours de mai, Venise abrite l’esprit de Londres, Paris, New York, Shanghai, Dubaï et Sydney, mais aussi des pays du tiers monde, les plus pauvres, les plus éloignés et les plus confinés qui ont la possibilité de s’exprimer une forme accomplie et une exposition.

Un mantra, une invocation plane sur cette source vénitienne. Puissiez-vous vivre à des moments intéressants. C’est un ancien proverbe chinois - qui est probablement un faux - mais qui est aussi le titre de cette Biennale et auquel toutes les grandes expositions, mineures, collatérales, parallèles, tournent comme dans un grand concert visant à nous montrer que le contemporain est avant tout vivant, insaisissable, définitivement imprenable et une fois pour toutes.

Dans le guide suivant, vous trouverez les principales expositions à ne pas manquer dans la sélection signée par Hostelsclub.

1. LETIZIA BATTAGLIA A LA CASA DEI TRE OCI

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Credits @Letizia Battaglia

Du 20 mars au 18 août 2019, la Casa dei Tre Oci de Venise inaugure une grande rétrospective consacrée à Letizia Battaglia (Palerme, 1935), organisée par Francesca Alfano Miglietti, parrainée par la Fondation de Venise et avec la participation de Tendercapital. Sur l'affichage, plus de 300 photographies, dont beaucoup sont inédites en ce qui concerne les aperçus les plus connus de la Sicile et les crimes de la mafia immortalisés par Battaglia, d'abord en tant que simple reporter, puis en tant que professeur incontesté d'un réalisme brutal. Letizia Battaglia est l’un des protagonistes les plus importants de la photographie italienne. L’exposition retrace certainement toute sa carrière à partir du grand nombre de documents proposés. Une exposition anthologique à lire comme le portrait d'un intellectuel contre-intellectuel. "J'ai vu la photographie comme un document, comme une interprétation et jusqu'à présent", a déclaré la photographe sicilienne, "je l'ai vécue comme un salut et une vérité". Intellectuelle à contre-courant, mais aussi photographe poétique et politique, une femme qui s’intéressait à son environnement et qui, loin d’elle, la rendait curieuse.

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Un coup d'oeil de la Casa dei Tre Oci

Letizia Battaglia est né à Palerme le 5 mars 1953. En 1985, il fut le premier Européen à remporter le prix W. Eugene Smith, célèbre photographe de «Life» (1985). «J'ai travaillé pour L’Ora à Palerme de 1974 à 1991. À chaque crime, j’étais obligé de courir sur place et de tirer, mais je ne le voulais pas. J'avais envie de vomir, je sentais le sang partout, même à la maison. Cela m'a coûté beaucoup de douleur. Je n'étais pas un photographe qui a documenté un conflit étranger. J'étais dans mon île, en pleine guerre civile ". En quarante ans de travail avec le Leica M2, rigoureusement en noir et blanc, il a documenté ce monde, où qu’il se trouve, qui était et qui fait peur. Pouvoir criminel, intimidation et corruption, sang. Dans sa Sicile, surtout, mais pas seulement.

2. LIEUX ET SIGNES A LA PUNTA DELLA DOGANA

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Une vue de Punta della Dogana, l’un des quartiers généraux de la Pinault Collection

Punta della Dogana présente l'exposition "Place and Signs", organisée par Martin Bethenod, directeur du Palazzo Grassi - Punta della Dogana, et Mouna Mekouar, commissaire indépendante. Le titre de l'exposition tire son nom du travail de Carol Rama et rassemble une trentaine d'artistes dont les œuvres ont une relation privilégiée avec leur contexte urbain, social, politique, historique et intellectuel. De nombreux artistes, parmi lesquels Berenice Abbott, Trisha Donnelly, R.H. Quaytman, Wu Tsang et des groupes de travail, de Louise Lawler, Agnès Martin, Julie Mehretu, Anri Sala et Sejla Kamerić, Tatiana Trouv. Ils sont présentés pour la première fois dans les expositions de la collection Pinault à Venise. Ces œuvres interagissent avec certaines des œuvres qui ont marqué l’histoire des expositions à Punta della Dogana au cours des dix années qui se sont écoulées depuis son ouverture en 2009. L’exposition sera accompagnée d’un vaste programme de manifestations, de spectacles et de réunions ouverts au public qui se dérouleront à Punta della Dogana et le Teatrino di Palazzo Grassi.

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Oeuvre de Carol Rama

Née à Turin en 1918, Carol Rama peint déjà une adolescente sans formation académique, mais soutenue dans sa passion par des rencontres fondamentales. Du poète Edoardo Sanguineti au musicologue turinois Massimo Mila, du peintre Albino Galvano à l'architecte Carlo Mollino, au collectionneur Carlo Monzino, de Luciano Berio à Eugenio Montale, pour n'en nommer que quelques-uns. Il utilise les chambres à air des vélos et les transforme en quadruplés, précocement pauvres, où la couleur rose du caoutchouc devient cuir et où les tubulaires empaquetés ressemblent à des entrailles et à des défauts, car pour Carol Rama, le corps est tout. Un corps presque toujours amputé, voire artificiel, comme dans les prothèses de membres, de jambes et de bras, peint après l'avoir vu dans la vie réelle des hôpitaux de la Seconde Guerre mondiale.

3. LA PELLE DE LUC TUYMANS AU PALAZZO GRASSI

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Oeuvre de Luc Tuymans

Palazzo Grassi présente la première exposition personnelle de Luc Tuymans (Mortsel, Belgique, 1958) en Italie, dans le cadre du programme monographique qui alterne de 2012 à aujourd'hui avec des expositions thématiques de la collection Pinault. L'exposition intitulée La Pelle - tirée du livre de Curzio Malaparte paru en 1949 - est organisée par Caroline Bourgeois en collaboration avec Luc Tuymans. Elle présente plus de 80 œuvres retraçant un parcours centré sur sa production picturale, avec une sélection de peintures allant de De 1986 à aujourd'hui, de la collection Pinault, ainsi que de musées internationaux et de collections privées. Considéré comme l'un des artistes les plus influents sur la scène internationale, Luc Tuymans se consacre à la peinture depuis le milieu des années 1980 et contribuera tout au long de sa carrière à la renaissance du médium pictural dans l'art contemporain. Ses œuvres traitent de questions de l’histoire passée et récente, mais aussi de sujets quotidiens à travers un répertoire d’images de la sphère personnelle et publique - de la presse, de la télévision ou du Web - représentées sous une lumière inconnue et raréfiée, en les restituant sous une forme. visant à susciter une certaine inquiétude pour obtenir - comme l’artiste l’a décrit lui-même - une "véritable falsification" de la réalité.

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Vue interne du Palazzo Grassi, site d'exposition du Pinault Collection

Luc Tuymans est né en 1958 à Mortsel, en Belgique. Vit et travaille à Anvers. Reconnu pour avoir contribué au renouveau de la peinture dans les années 1990, l'artiste belge continue d'affirmer la pertinence de son travail en abordant un large éventail de sujets. Ses œuvres sont basées sur des images préexistantes et traitent de questions du passé et de sa représentation et des sujets quotidiens renvoyés sous une lumière non familière. Son travail a fait l'objet de plusieurs expositions personnelles consacrées à l'artiste, notamment: "The Swamp" à Reset Gert Robijns, Borgloon, en 2017, "Glasses" au Museum aan de Stroom (MAS), Anvers, en 2016 et ultérieurement. présenté à la National Portrait Gallery, Londres, en 2017, «Intolérance» à la Galerie des musées du Qatar, Al Riwaq, Doha, «Birds of a Feather» à la Talbot Rice Gallery, Université d'Edimbourg, Édimbourg, en 2015, «Nice. Luc Tuymans »à la Menil Collection, Houston, en 2013.

4. LA NATURE DE L'ARP AU PEGGY GUGGENHEIM

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Vue du Palazzo Venier dei Leoni, siège du Peggy Guggenheim Collection

Du 13 avril au 2 septembre, la natura di Arp, organisée par Catherine Craft, sera exposée dans la collection Peggy Guggenheim, organisée par le Nasher Sculpture Center de Dallas, premier lieu d'exposition. Une exposition sur l'œuvre de l'artiste franco-allemand Jean (Hans) Arp (1886-1966), dont l'approche expérimentale de la création et la révision radicale des formes d'art traditionnelles en ont fait l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. En 16 ans d’activité, l’artiste crée un corpus qui aura une influence considérable sur l’histoire de l’art et sur une gamme de matériaux et de formats rappelant sa polyvalence productive. Arp est l’un des fondateurs du mouvement Dada, pionnier de l’abstraction, et développe un langage de formes organiques et curvilignes qui évolue aisément entre abstraction et représentation, devenant ainsi un point de référence pour des générations d’artistes. Il existe sept œuvres d'Arp appartenant au musée vénitien, toutes exposées à l'occasion de l'exposition.

"La première chose que j’ai achetée pour ma collection a été un bronze de Jean Arp. [Arp] m’a emmené à la fonderie où il avait fondu et j’en suis tombé amoureux au point que j’ai demandé à pouvoir le tenir dans mes mains: au même instant je le sentais être le propriétaire "se souvient Peggy Guggenheim dans son autobiographie Une vie pour l’art (Rizzoli Editori, Milan, 1998).

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Travail sculptural de Jean Hans Arp

Hans Arp, Jean (Strasbourg, 1887), a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Weimar, puis à l'Académie Julian à Paris. En 1914, il s'est réfugié en France. L'année suivante, on le retrouve en Suisse l'année suivante, où il a rencontré le peintre Sophie Taeuber avec laquelle il s'est marié. En 1928, il pratique l'écriture automatique avec les surréalistes. Arp participe au "Cercle et Carré" (1929), à "Abstraction-création (1932)", à Allianz (1937). Vers 1930, il introduit une variante dans ses collages avec des "papiers déchirés". Avec la déclaration de guerre, Arp se fait connaître à Jean. De 1942 à 1945, Arp se réfugie en Suisse où Sophie Tauber-Arp meurt tragiquement.

5. ATELIER DE BURRI À L’ÎLE DE SAN GIORGIO

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Alberto Burri, Rosso Plastica, 1963 © Fondazione Burri

La Fondation Giorgio Cini présente une rétrospective consacrée au "maître du sujet" Alberto Burri (Città di Castello 1915 - Nice 1995), organisée par l'historien de l'art et président de la fondation Burri Bruno Corà. Le projet, né de la synergie entre les deux institutions et réalisé en collaboration avec Tornabuoni Art et Paola Sapone MCIA, vise à couronner un chemin de reconnaissance internationale lié au centenaire de la naissance de l'artiste ombrien. L'exposition propose une reconstruction chronologique des étapes les plus importantes de la carrière artistique d'Alberto Burri à travers une cinquantaine d'œuvres choisies parmi ses séries les plus significatives: le très rare Catrami, le Muffe et le monumental Sacchi, jusqu'aux Combusions, les Bois, les Plastiques. La lecture de sa carrière artistique se poursuivra, dans une section documentaire multimédia, par la projection de quelques films rares le dépeignant en action.

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Un aperçu de l'architecture interne de la Fondazione Giorgio Cini

Alberto Burri né en 1915 à Città di Castello. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’enrôla comme officier médical, mais en 1944, capturé en Afrique du Nord avec sa compagnie, il fut emprisonné à Hereford, au Texas, où il commença à peindre sur les sacs disponibles. Après son incarcération, il s'installe à Rome où, l'année suivante, il organise sa première exposition personnelle à la galerie La Margherita. Burri critique le réalisme politique généralisé de la fin des années quarante et se dirige vers l'abstraction, devenant un protagoniste de l'informel. En 1949-1950, il expérimente de nouveaux matériaux peu orthodoxes pour créer des collages tactiles en sacs, goudron, pierre ponce. À cette époque, il a créé la série de Muffe et Gobbi, cette dernière avec des toiles modelées qui rompent la bidimensionnalité traditionnelle du support. L'intérêt porté à l'ambiguïté de la surface picturale et des matériaux inhabituels amène Burri à contribuer au groupe Origin, qu'il expose en 1951 à la Galleria dell'Obelisco, à Rome.

6. LA REVOLUTION DE BASELITZ A LA GALLERIE DELL'ACCADEMIA

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Parallèlement à la Biennale de l'Art de Venise, les Galeries ouvriront une exposition retraçant toutes les périodes et jonctions cruciales de la soixantaine d'années de la carrière de l'artiste allemand, à travers peintures, dessins et sculptures. C'est la première fois que l'Académie ouvre ses portes à un artiste vivant contemporain. "Je suis heureux d'avoir été invité à présenter mon travail aux Galeries de l'Académie à Venise l'année prochaine", a expliqué Baselitz. Je connais le musée depuis un certain temps et c'est un plaisir de travailler avec Kosme de Barañano sur un projet extrêmement original. " une exposition conçue par Kosme de Barañano et conçue pour les espaces vénitiens de l'Académie sera anthologique avec l'ambition de faire dialoguer les jonctions cruciales des soixante années de carrière de l'artiste allemand - certainement parmi les plus significatives vivant.

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Oeuvre de Gerorg Baselitz

Georg Baselitz est un artiste allemand connu pour ses peintures néo-expressionnistes et qui se caractérise souvent par des hommes à l'envers. Son travail inclut la sculpture et la gravure et il a souvent exploré ce que signifiait être un artiste allemand de l'après-guerre. Les couleurs vives, les coups de pinceau forts, sont la base des thèmes souvent folkloriques ou archétypaux. "Je commence par une idée, mais en travaillant, la photo prend le dessus", a-t-il déclaré à propos de son procès. "Ensuite, il y a la lutte entre l'idée que j'ai une idée préconçue et l'image qu'il se bat pour sa propre vie." Né le 23 janvier 1938 à Deutschbaselitz, en Allemagne, Hans-Georg Kern a pris le nom de sa ville natale en 1961.

7. PHILIPPE PARRENO A L'ESPACE LOUIS VUITTON

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Vue d'une installation de Philippe Parreno, Anywhen, 2016, Tate Modern Turbine Hall

Title Displinking Realities, l'exposition de Philippe Parreno à l'Espace Louis Vuitton à Venise, près de la place Saint-Marc, du 11 mai au 24 novembre. Pour l'instant, les informations qui circulent à ce sujet sont presque nulles. Philippe Parreno est un artiste français contemporain dont la pratique multidisciplinaire comprend des collaborations avec Pierre Huyghe, Liam Gillick et Rirkrit Tiravanija. Dans le cadre de sa pratique, Parreno examine comment les systèmes de représentation et les mémoires produisent un sens. Le scénario incomplet de l'artiste L'Histoire d'un sentiment (1996) est un geste qui attire l'attention sur le récit de la production à travers l'imagination d'un projet de création imaginaire qui ne sera jamais réalisé.

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Un intérieur de l'espace de l'Espace Louis Vuitton

Philippe Parreno Né en 1964 à Oran en Algérie, il a grandi à Grenoble en France, fréquentant l’École des Beaux-Arts de la ville avant de s’installer à Paris pour étudier à l’Institut des hautes études en arts plastiques du Palais de Tokyo. Sa première ascension dans les années 1990, ses premières œuvres incluent des conférences par vidéoconférence incluant des séquences de programmes de télévision et de films populaires. Dans les années qui ont suivi, l'artiste a produit des textes visuels et écrits analysant une série de sujets. Il continue de vivre et de travailler à Paris, en France. Aujourd'hui, les œuvres de Parreno sont conservées dans les collections du Solomon R. Guggenheim Museum à New York, de la Tate Modern à Londres et du Centre Georges Pompidou à Paris, entre autres.

8. ARSHILE GORKY DANS LES SALLES DU CA' PESARO

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Une vue du Grand Canal de Ca' Pesaro

Ca' Pesaro présente la première rétrospective italienne consacrée à Arshile Gorky (1904-1948), considéré comme l'une des figures clés de l'art américain du XXe siècle. L'exposition prend en compte les étapes de la carrière d'Arshile Gorky depuis les premières œuvres des années vingt, des années au cours desquelles la peinture se caractérise par la relation avec les œuvres de Cézanne, en passant par les points culminants de son atelier de maîtres et de mouvements autodidacte. moderne, jusqu’au stade où tous ces stimuli se transforment en une vision puissante et singulière. Arshile Gorky, pseudonyme de Vosdanik Adoian, est né le 15 avril 1904 dans le village de Khorkom, dans la province de Van en Arménie. En raison de l'invasion turque, les Adoians sont obligés de devenir des réfugiés; Gorky lui-même a quitté Van en 1915 et a déménagé aux États-Unis en février 1920, où il a vécu chez des parents à Watertown, dans le Massachusetts, et s'est installé avec son père à Providence, dans le Rhode Island. À partir de 1922, il réside à Watertown et enseigne à la New School of Design de Boston. Environ 80 œuvres de collections internationales, institutionnelles et privées, y compris la Tate de Londres, la National Gallery of Art de Washington, le Whitney Museum of American Art, le Centre Pompidou de Paris, le Israel Museum de Jérusalem.

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Oeuvre d'Arshile Gorky

Le poète surréaliste André Breton a reconnu la qualité inimitable des œuvres les plus récentes qui, dans la préface du catalogue d’une exposition de Gorky datant de 1945, la décrit comme un "hybride", reconnaissant la complexité avec laquelle Gorky évoquait le monde naturel, le liant à de multiples de souvenirs personnels et d'influences différentes.

9. BRIGITTE NIEDERMAIR AU PALAZZO MOCENIGO

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Campaign M+F Girbaud 2004 THE LAST SUPPER, 58x30,12 cm, sans cadre.

L'exposition personnelle de Brigitte Niedermair au Palazzo Museum, organisée par Charlotte Cotton du 9 mai au 24 novembre 2019, est une interaction dynamique des photographies de l'artiste tirées de ses archives de plus de vingt ans de pratique photographique. Une exposition en dialogue avec l'architecture et l'ameublement des salles communicantes du Palazzo Mocenigo. En collaboration avec Charlotte Cotton, commissaire de la photographie internationale, Niedermair a su répondre à l’atmosphère particulière de chaque pièce et a intégré ses photos de mode et de natures mortes classiques dans ces environnements historiques allant des salles les plus intimes à l’échelle impressionnante.

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Un salon de Palazzo Mocenigo

La synergie entre le public et les intérieurs autrefois privés de ce bâtiment historique appartenant à la famille Mocenigo - le Musée du textile et des costumes de Venise depuis 1985 - et aux photographies de Niedermair est à plusieurs niveaux, avec un d'une pièce à l'autre. Niedermair a sélectionné les peintures de la collection Palazzo Mocenigo pour les remplacer par ses photographies afin de sciemment amplifier et contraster avec les sous-titres incorporés de genre et d'identité qui imprègnent ces intérieurs principalement du XVIIe siècle. L'observateur de l'installation prend progressivement conscience du fait que les seules femmes représentées qui sortent du cadre de leur cadre remontent aux XVIIe et XVIIIe siècles, tandis que leurs homologues contemporaines résistent et s'en vont.

10. "QUE VOUS POUVEZ VIVRE À DES TEMPS INTÉRESSANTS"


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Le commissaire de la Biennale d'Arte 2019, Ralph Rugoff, dans la photo traditionnelle du lieu deCa' Giustinian

Ouvert du 11 mai au 24 novembre 2019, dans les locaux de Gardens and Arsenal, la 58e exposition internationale d'art intitulée «Vous vivez dans des temps intéressants», organisée par Ralph Rugoff, organisée par la Biennale de Venise et présidée par Paolo Baratta, la pré-ouverture aura lieu à Les jours 8, 9 et 10 mai, la cérémonie de remise des prix et l'inauguration auront lieu le samedi 11 mai 2019. L'exposition comprendra le pavillon central des Jardins et l'Arsenal, qui comprend 79 artistes du monde entier. L'exposition sera accompagnée de 90 participations nationales dans les pavillons historiques des Jardins, de l'Arsenale et du centre historique de Venise. Quatre pays sont présents pour la première fois à la Biennale de l'Art: l'Algérie, le Ghana, Madagascar et le Pakistan. La République dominicaine et la République du Kazakhstan participent pour la première fois à la Biennale de l'art avec leur propre pavillon.

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Une vue des espaces de l'Arsenale de la Biennale de Venise

Pour sa part, Ralph Rugoff a déclaré: "Pouvons-nous vivre dans des temps intéressants comprendra sans aucun doute des œuvres d'art reflétant les aspects précaires de notre existence actuelle, y compris les nombreuses menaces qui pèsent sur les traditions, institutions et relations fondatrices de la" ordre d'après-guerre ". Cependant, nous reconnaissons immédiatement que l’art n’exerce pas ses forces en politique. Par exemple, l'art ne peut pas arrêter l'avancée des mouvements nationalistes et des gouvernements autoritaires, ni atténuer le destin tragique des réfugiés sur toute la planète (dont le nombre correspond maintenant à près de 1% de la population mondiale).Cependant, de manière indirecte, l’art peut peut-être offrir un guide pour nous aider à vivre et à penser en ces «temps intéressants». La Biennale Arte 2019 n'aura pas de thème en soi, mais mettra en évidence une approche générale de la création artistique et une vision de la fonction sociale de l'art qui inclut à la fois le plaisir et la pensée critique. L'exposition mettra l'accent sur le travail d'artistes qui questionnent les catégories de pensée existantes et nous ouvrent à une nouvelle lecture d'objets et d'images, de gestes et de situations. Un art similaire découle de la propension à observer la réalité de plusieurs points de vue, c'est-à-dire à prendre en considération des notions apparemment contradictoires et incompatibles et à jongler avec différentes manières d'interpréter le monde qui nous entoure. "

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Une photo de la Biennale of Art 2015 signée par Christine Macel

Il y a 21 événements collatéraux admis par le curateur et promus par des organisations et institutions nationales et internationales à but non lucratif. Organisés dans de nombreux lieux de la ville de Venise, ils offrent un large éventail de contributions et de participations qui enrichissent le pluralisme des voix qui caractérise l'exposition. Pour la dixième année consécutive, La Biennale consacre le projet Biennale Sessions aux universités, aux académies et à toutes les institutions de recherche et d'enseignement dans le domaine des arts, de l'architecture et des domaines connexes. L’objectif est de faciliter les visites de trois jours qu’ils organisent pour des groupes d’au moins 50 étudiants et professeurs, avec la possibilité d’organiser des séminaires dans des lieux d’exposition gratuits et d’aider à organiser les voyages et l’hébergement.

11. LE PAVILLON ITALIEN DE MILOVAN FARRONATO

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Le coupeur de pavillon italien, Milovan Farronato

Enrico David, Chiara Fumai et Liliana Moro sont les artistes qui représentent l'Italie - le pays qui accueille la Biennale de Venise - sous la direction et le soin de Milovan Farronato, directeur du Fiorucci Art Trust, pour lequel il a développé le festival depuis 2011. Volcan Extravaganza à Stromboli.

"Internationalité, contemporanéité, créativité - a déclaré Bonisoli, ministre italien de l'Activité et de la Culture - sont les mots qui caractériseront le projet de pavillon italien à la Biennale de Venise grâce à la contribution de ces trois protagonistes de l'art, dont les œuvres donneront vie. à une exposition originale et innovante sous la direction experte d’un conservateur de leur âge ".

"Les objectifs de soutien, de promotion et de valorisation de l'art italien de la Direction générale de l'art contemporain et des banlieues urbaines que je dirige - dit la Commissaire du pavillon italien Federica Galloni - sont pleinement représentés par les trois artistes choisis pour la prochaine participation italienne à Venise, qui ils seront en mesure de transmettre la profondeur de la vision et la qualité de la recherche au public international ».

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Extérieur du pavillon italien à l'Arsenale

"Au tournant de deux générations, les œuvres et biographies d'Enrico David, Chiara Fumai et Liliana Moro, bien que très différentes - explique le conservateur du pavillon italien Milovan Farronato - soulignent d'importants chemins artistiques contemporains qui se distinguent par leur esprit de recherche entre présent. Leurs œuvres se distinguent par le désir inextinguible d'explorer des territoires où la vie quotidienne, la survie, la tradition et la narration ont une forte présence. J'ai travaillé en étroite collaboration avec ces trois artistes au fil des ans, à l'occasion d'expositions individuelles et collectives en Italie et à l'étranger, et je suis heureux de pouvoir combiner leurs pratiques dans cette exposition de grande envergure, qui comprendra de nouvelles œuvres mais également œuvres du passé “.

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Chiara Fumai, Houdini, 2011

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